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FICXLab

FICXLAB es una sección del Festival Internacional de Cine de Gijón organizada por LABoral, cuyo objetivo es introducir el vídeo-arte y el cine de corte experimental en el marco de un certamen de cine como el de Gijón. En su segunda edición, FICXLAB insiste en la necesidad de dotar al espectador de herramientas que le ayuden a desentrañar el nudo de imágenes que da forma a la compleja realidad que vivimos.

Conscientes de que las películas no muestran la verdad, sino una trama de imágenes y sonidos que conducen a la verdad, el programa presenta una forma de concebir la imagen en movimiento que tiene como punto de partida la ambigüedad, es decir, la mezcla de soportes y tradiciones artísticas distintas. Por un lado el 16 mm, formato que que se reivindica como la herramienta que permite ver cómo lo cotidiano se puede transformar en estética; y por otra parte lo digital, que recoge la pulsión de realidad que atesoraba el cine, extendiéndola a terrenos todavía por explorar. A esto, por último, se suma la confusión que se produce cuando se entiende que, más allá de las instituciones, nunca ha existido una verdadera distinción entre artistas visuales y cineastas.

FICXLAB está compuesta por una serie de proyecciones, una exposición, un taller de narrativa audiovisual y un encuentro entre autores, críticos y profesionales del medio. Todo ello con el propósito de convertirse en un punto de encuentro que no sólo ofrece contenidos difíciles de rastrear o películas que normalmente tiene poca difusión, sino también compartir conocimientos entre público, autores y especialistas, tratando de recuperar el sentido de comunidad que favorecía ver películas juntos en una sala, rodeado de otras personas.


PROYECCIONES

  • CINE Y SOPORTE MATERIAL: 16 mm

Laida Lertxundi + Rebecca Meyes + David Gatten.
A través de la presentación del trabajo reciente de estos tres importantes nombres de la escena internacional de cine experimental, que han estado presentes en festivales como Rotterdam, Ann Arbor o Views of avant garde de Nueva York, esta sección pone el foco en el soporte 16 mm como herramienta para traducir la realidad a imágenes. Imágenes cotidianas, para nada grandilocuentes, filmadas desde el estupor que producen las formas y la materia del cosmos.
Comisariado y textos: revista Lumière

Rebecca Meyers (EE.UU.),A causa de la luz, 2014. 91', proyección en 16mm
Fecha: 23 de noviembre
Hora: 18 h.
Lugar: Centro Cultural Cajastur Colegiata San Juan Bautista, Gijón

Los filmes de Rebecca Meyers están hechos de contrastes: de la imagen con el sonido, del espacio interior con el exterior, de lo humano con lo animal y de la civilización con la naturaleza. Sin embargo, es un cine en voz baja, que atiende al detalle y nunca deja que su discurso se imponga a la fuerza de sus imágenes. En night light and leaping, su primera película, aún siendo estudiante de Bellas Artes, los protagonistas son su gato y su apartamento. La cámara sigue el recorrido, entre perezoso y tranquilo, que realiza el gato por un espacio que conoce a la perfección, en el que se siente confiado. Sin abandonar nunca este interior, lugar dominado, el exterior sólo lo reconocemos a través de los sonidos amplificados o de algún plano siempre realizado desde dentro del hogar. Meyers trabaja la idea de interior y exterior, del hogar como cárcel, mientras que el gato, animal elegante y cinematográfico, aparece como un inesperado héroe nostálgico.

En glow in the dark (january-june)la cineasta filma también algunas imágenes a través de un cristal, tras el cual vemos un paisaje nevado e imágenes solitarias y nocturnas. Se podría decir que es una película sobre el fin del invierno y la celebración de la llegada del verano o sobre el contraste entre la luz y la oscuridad. El sonido de una vieja grabación de una celebración de año nuevo queda contrapuesta con las imágenes de paisajes subacuáticos en things we want to see. Poco a poco, la grabación de archivo da paso al sonido de unas ballenas registradas por un radar, en un cambio tan enigmático como sobrecogedor. Lo cotidiano y lo familiar de una celebración se enfrentan a un espacio natural amplísimo. En lions and tigers and bears la cineasta encuentra en el paisaje urbano de Chicago restos de vida animal, tanto medianamente salvaje (arañas, ardillas y otros animales en los parques) como domesticada, así como monumentos y dedicados a algunos animales, mientras escuchamos diferentes sonidos de estos. Meyers ha definido night side como una parte del universo rechazada por el sol, concentrándose en este filme en pequeñas instantáneas de animales retratados en soledad o cautiverio. De mayores dimensiones y gran calado histórico, blue mantlemuestra de manera poética, a través de pequeñas instantáneas y sonidos, tanto salvajes como documentales la conquista del océano y de la naturaleza virgen por parte de la humanidad. Meyers trata de captar lo íntimo, lo interior de esta historia épica, al igual que en su filme más reciente, murmurations, donde la grandeza del paisaje virgen tiene como contraste el sonido calmado de unos pájaros viviendo en su espacio cotidiano.

David Gatten (EE.UU.), The Matter Propounded, 2010-2013. 87’. Proyección en 16 mm y HD
Fecha:23 de noviembre
Hora: 20.15 h.
Lugar: Centro Cultural Cajastur Colegiata San Juan Bautista, Gijón

David Gatten parece ordenar su obra fílmica alrededor de la necesidad de conciliar su pensamiento intelectual con sus experiencias personales. Su cine da cuenta de lo que ofrecen sus lecturas y su trabajo filosófico sin caer en la erudición. Las citas de los pensadores que pueblan las películas que aquí se presentan nunca mantienen una relación con las imágenes directa. He aquí el primer proceso de montaje, el que va de la idea a la imagen, y viceversa. El montaje es uno de los aspectos fundamentales del cine de Gatten: el pensamiento y la técnica. La sucesión de dos imágenes a partir de sus formas y sus colores, pero también el trabajo manual sobre el celuloide. Sus empalmes imperfectos hacen que los saltos del montaje sean abruptos, lo que otorga a sus filmes un aspecto artesanal, como los trazos de las huellas dactilares sobre un objeto de cerámica.

En Shrimp Boat Log parte de una idea de los cuadernos de Leonardo da Vinci en la cual se pretende medir el tiempo al margen de consideraciones geométricas, dividiendo una hora en 300 segmentos. De esta manera, Gatten monta su película en 300 planos filmados a 29 fotogramas por segundo. El filme muestra los nombres de los barcos que transitan la desembocadura del río Edisto y, consecutivamente, las imágenes de esos barcos, así como los paisajes y las tonalidades que les acompañan. Recopilando material durante catorce años, By Pain and Rhyme and Arabesques of Foraging parte de los textos del filósofo naturalista Robert Boyle para trazar asociaciones de colores, aunando lo matemático y lo orgánico, el rigor formalista y el ritmo musical.

Las citas literarias del intelectual inglés del siglo XVII sir Thomas Browne en So Sure of Nowhere Buying Times to Come dejan paso a una visita incompleta y segmentada de una tienda de antigüedades. Gatten compone la película con planos de sellos, cuchillos, relojes y objetos similares vistos como testigos de la historia y de los secretos que albergan. En The Matter Propounded, of its Possibility or Impossibility, Treated in four Parts,explora lo efímero y la caducidad de lo escrito, siguiendo un texto de adivinación del siglo XIX. Las palabras, como imágenes, aparecen y se disipan, siendo el espectador incapaz de aprehenderlas. La materialidad de los 16mm se ve aquí erosionada por la fugacidad del montaje. Las palabras son tratadas como materia y luz, como unidad de tiempo y de peso en What Places of Heaven, What Planets Directed, How Long the Effects? or The General Accidents of the World, un filme de citas textuales (Anarch, de Francis Richard). Por último, la celebración de su boda con la cineasta Erin Espelie es el punto de partida de Film for Invisible Ink, case no. 323: ONCE UPON A TIME IN THE WEST.En ella, se suceden palabras en blanco sobre fondo negro, en dos series: una superior, donde vemos lo que parecen símbolos telegráficos, y otra inferior que los categorizan. Gatten transforma ambas series, más o menos desentrañables, jugando con el lenguaje y sus asociaciones.

Laida Lertxundi (España): Landscape Plus
Utskor: Either/Or, 2013. 8’, 16mm en 16mm, color, sonido
A Lax Riddle Unit, 2011. 4’, 16mm, color, sonido
Llora Cuando Te Pase//Cry When It Happens, 2010. 14’, 16mm, color sonido
My Tears Are Dry, 2009. 4’, 16mm, color sonido
Footnotes to a House of Love, 2007. 13’, 16mm, color, sonido
The Room Called Heaven, 2012. 11’, 16mm, color, sonido
Fecha: 24 de noviembre
Hora: 20.15 h.
Lugar: Centro Cultural Cajastur Colegiata San Juan Bautista, Gijón

Laida Lertxundi construye su cine a partir de experiencias compartidas con amigos y conocidos: los viejos discos escuchados en casa y el descubrimiento de los paisajes del sur de California. Sin embargo, sus películas nunca son la muestra directa de todo esto, sino que se debaten entre una esencia emocional sugestiva y abstracta y la ruptura de la suspensión crítica propia del cine de ficción. La búsqueda de significados a través de las estrategias formales del cine estructuralista y el contacto con la realidad de la experiencia cotidiana son los principios que guían toda su obra. Su filmografía constituye una exploración progresiva de la ciudad de Los Ángeles y sus alrededores (con la excepción de Utskor: Either/Or, rodada en Noruega) en la que las imágenes son como tomas esparcidas de un melodrama sobre la soledad en una megalópolis vacía.

Su primera película, Footnotes to a House of Love, parte de una acción performática realizada por un grupo de personas apenas reconocibles en una casa abandonada en medio del desierto. No hay diálogos, tan sólo gestos: los cuerpos comunican lo que las palabras no pueden decir. El sentido se construye a través del montaje, el instrumento mediante el cual Lertxundi se enfrenta al carácter abrupto del mundo exterior y le da forma creando una serie de relaciones rítmicas y abiertas entre los planos. Estas «notas al pie» presentan ya el debate entre imagen y sonido, silencio y música, espacios interiores y espacios exteriores que caracteriza sus cortometrajes posteriores. En contraste con el estado de suspensión en que parecen sumergidas las personas que filma, Lertxundi apela al lenguaje emocional mediante la grabación in situ de música soul o pop melancólico, canciones que se ponen en marcha por iniciativa de los personajes (My Tears are Dry) y que muchas veces guían la alternancia entre diferentes espacios (Cry When it Happens) o crean ecos entre escenas (A Lax Riddle Unit, The Room Called Heaven). La presencia de aparatos de reproducción y proyección que se averían o dejan de funcionar, el juego con instrumentos musicales, la desincronización del sonido y la manipulación de la cámara son un reflejo del aspecto material del trabajo cinematográfico que intenta desmitificar la transparencia del cine narrativo.

Lertxundi cuestiona así la relación entre los estados afectivos y los espacios en que éstos se desarrollan, dando lugar a un deseo de liberación que muchas veces queda simbolizado por una única imagen: el cielo en Cry When it Happens y The Room Called Heaven, un estallido de luz en el horizonte en A Lax Riddle Unit o el coche que avanza en We Had the Experience but Missed the Meaning. Sus dos últimas creaciones, Utskor: Either/Or y We Had the Experience…, hacen uso de textos de Friedrich Engels y Adolfo Bioy Casares, respectivamente, para hablar también de la búsqueda utópica de nuevos espacios de libertad.

  • FOCUS: FRANCIA

Presentación del trabajo de dos autores franceses Jean-Charles Fitoussi y Eric Baudelaire. Sin llegar a formar parte del establishment del cine independiente sus obras pueden verse en festivales internacionales como Mar de Plata, Cannes o Toronto, siendo al mismo tiempo muy valorados por una forma de trabajo artístico que busca ampliar los límites de la narrativa cinematográfica tradicional. La obra de Baudelaire se ha podido ver, en formato instalación, también en diferentes museos y centros de arte como el MACBA. Prepara ahora una exposición en Fredericianum de Kassel que se inaugurará durante el Festival.

Jean-Charles Fitoussi: Je ne suis pas morte, 2008. 190’, color, 35 mm
Fecha: 25 de noviembre
Hora: 15.30 h.
Lugar: Sala 4. Cines Centro, Gijón

Tras un rodaje de más de dos años, Jean-Charles Fitoussi compone una película de historias sin histeria que se acumulan sobre sí mismas, ligando una gran exigencia artística con una contemplación tranquila del universo. Los ingredientes parecen simples: una mujer creada por un científico a partir de mujeres muertas que intenta comprender qué es el amor, y otra mujer, en coma, bastan para poder unir a los personajes que se cruzan en todas esas historias. Pero ese inmenso río con subidas y bajadas, con momentos que parecen triviales y que, precisamente por ello, son indispensables, se sostiene con una especie de fe religiosa. En cierto modo, Je ne suis pas morterecuerda al cine de João César Monteiro Monteiro, mezclado con el de Jean-Marie Straub (el propio Straub interpreta a un vagabundo poeta germano-parlante en la película, en una breve aparición, al igual que Léos Carax, en un momento bastante caraxiano de la película), por esos personajes que nos dan la sensación de estar prácticamente en presencia de ángeles. Monteiro, Straub, Carax… por los movimientos de cámara y la reaparición de figurantes absurdos, también cabría evocar a Alain Resnais, mientras que la presencia de elementos surrealistas para revelar las emociones de los personajes hacen pensar en Nanni Moretti. Y, finalmente, lo laberíntico del relato, los puntos de fuga equívocos y el humor deslizante, que recuerdan a Jean-Claude Biette. Esta película expansiva es la que impulsa toda la obra, insólita, de Fitoussi, quien, en una serie de filmes está construyendo la serie por él denominada como «El castillo del azar». Y estas son las aguas del azar, su pila bautismal, allí donde un pequeño cineasta, en 2008, se llenó de gracia.


Eric Baudelaire: A letter to Max, 2014. 104’
Fecha: 27 de noviembre
Hora: 17 h.
Lugar: Sala 3. Cines Centro, Gijón

En forma de epistolario entre el mismo autor, Eric Baudelaire, y Maxim Gvinjia, antiguo Ministro de Exteriores de Abjasia, un país situado en el Cáucaso cuya independencia todavía no ha sido totalmente reconocida, A letter to Max es la historia de una amistad al tiempo que un imaginativo ensayo fílmico sobre la idea de nación y nacionalidad.

74 cartas mandadas durante 74 días confirman un guión que, narrado en voz en off tiene a MaximGvinjia como protagonista. La película encuentra su estructura en ese intercambio. Abjasia es una paradoja: un país que existe en un sentido físico, con unas fronteras, un gobierno, un lenguaje y una bandera y, sin embargo, lleva casi 20 años buscando ser reconocido por la comunidad internacional. El país, en ese sentido, existe pero no existe, atrapado en espacio liminal, entre la realidad y la ficción, como una especie de Ubu rey, de Alfred Jarry, a caballo entre la tiranía y la ambición de la geopolítica global.

La historia comienza en el verano de 2012 cuando Baudelaire mandó una nota de Abjasia desde París, una carta que en verdad pensó que nunca llegaría. Diez semanas más tarde, cuando recibió respuesta, la película encontró su estructura: cartas y más cartas con la voz de Max de fondo sobre las imágenes de este país sin país. En el cine del artista y director francés son recurrentes las ideas de búsqueda y extravío, siempre de la mano de personas que se hacen personaje, esto es, que trascienden la Historia, y que como en un western tienen dificultades para volver a su hogar.

  • PANTALLA ESTATAL

Dora García + Teresa Solar + Guillermo G Peydró

Ciclo dedicado a la imagen en movimiento realizada por artistas del Estado español. Del trabajo de la premio nacional Dora García, que se ha podido ver en el Festival de Rotterdam, a la producción de Peydró, realizada durante su residencia este año en LABoral tras ganar el premio Universo vídeo, concedido por LABoral y el Festival Internacional de Cine de Gijón, para llegar al estreno de la nueva película de la artista Teresa Solar que, a pesar de su juventud, es ya una habitual de los circuitos artísticos del país.

Presentación y encuentro. Dora García: The Joycean Society, 2013. 53'
Fecha: 22 de noviembre
Hora: 20.15 h
Lugar: Centro Cultural Cajastur Colegiata San Juan Bautista, Gijón

The Joycean Society es un documental sobre uno de los 52 clubs de lectura que hay en el mundo centrados únicamente en la lectura deFinnegans Wakede James Joyce, más que una novela, una máquina social con mil y una lecturas alternativas. La estructura de la película es muy sencilla, comenta la autora: “La duración está determinada por una sesión del club de lectura, que está narrada casi en tiempo real. Algo que da sentido a la vez que un marco temporal. Después se insertaron otras conversaciones que ayudan a construir los personajes de la historia: el libro, la tumba de Joyce, los académicos de Joyce y, por último, sus devotos”.

Dora García propone un acercamiento desenfadado a la sopa de letras de Joyce (Finnegans Wake) basándose en la idea del mirón, utilizando primeros planos de los lectores. De esta forma, hace visible la epifanía diaria de los participantes frente al texto. El espíritu de interconectividad de Joyce se muestra en cada personaje.



Presentación y encuentro. Teresa Solar: All the things that are not there, 2014. 41'

Una mujer atraviesa Estados Unidos persiguiendo las imágenes de Harold Edgerton, el inventor del flash moderno. La idea de descubrimiento y de conquista de un mundo revelado gracias a sus inventos sirve como punto de partida para este road trip por los Estados Unidos, buscando a los sujetos y los espacios representados en sus imágenes y utilizándolos para crear una nueva narrativa. Siguiendo esta estela, la película nos lleva a través de una tierra de espejismos, de ciénagas y de fronteras, lejos del mundo cristalino del fotógrafo.

Guillermo Peydró: Gijón, sinfonía urbana, 2014. 17’. Premio FICXLAB 2013
Fecha: 25 de noviembre
Hora: 20.15 h.
Lugar: Centro Cultural Cajastur Colegiata San Juan Bautista, Gijón

Pensar la ciudad como espacio cinematográfico abierto a la mirada. Usar el cine como llave para ordenar los espacios que configuran la ciudad, y abrir su palimpsesto de capas de significación. Abstraer la ciudad en todas las ciudades, cada calle en todas las calles, cada edificio en todos los edificios que existen. Y después encontrar lo singular. Estudiar a los habitantes de la ciudad, sus ritmos, sus lugares de reunión. Recorrer al azar el laberinto desconocido de rutas, sus desvíos, sus puntos de anclaje. Y por último, reconstruir lo mirado proponiendo un dispositivo propio, que se posicione con respecto al principal de los géneros cinematográficos cautivado por la ciudad: la sinfonía urbana.

Otras actividades de FICXLAB 2014:

-PERFORMANCE. Esperanza Collado, We can only Guarantee the Dinosaurs

-CICLO DE CINE. Memoria del descrédito

-EXPOSICIÓN. Universo vídeo. La Vidéothèque

-TALLER. Narrativa audiovisual para escolares

-MESA REDONDA. Teresa Solar + Guillermo Peydró + Miguel Blanco, revista Lumière + Chloé Dragna, La Vidéothèque